Relaciones sociales

"Continuamos manteniéndolas porque la mayoría necesitamos los huevos"

Comentario de Annie Hall

La insoportable levedad del ser

"El sábado y el domingo sintió la dulce levedad del ser, que se acercaba a él desde las profundidades del futuro. El lunes cayó sobre él un peso hasta entonces desconocido. Las toneladas de hierro de los tanques rusos no eran nada en comparación con aquel peso. No hay nada más pesado que la compasión. Ni siquiera el propio dolor es tan pesado como el dolor sentido con alguien, por alguien, para alguien, multiplicado por la imaginación, prolongado en mil ecos".

Quique González - Rompeolas

El Grito, Munch

En este cuadro de Munch el sonido del grito es inaudible. Se representa en forma de ondas por todo el paisaje. Al lado vemos a dos paseantes que no se conmueven ante el grito, no lo oyen. El personaje representa la angustia de un grito no oído, impotencia. Incluso él mismo se tapa los oídos para no escuchar su propio grito.

Munch pintó varias versiones de este cuadro. Al fondo vemos el paisaje de la ciudad de Oslo, ciudad donde podemos encontrar la versión más famosa de este cuadro. Recibió duras críticas por él. Incluso se llegó a recomendar a las mujeres embarazadas que no lo miraran. El régimen nazista le calificó de degenerado y sus cuadros fueron retirados. La gente no quiere oír determinadas cosas. ¿Su grito no se oye o es que la gente no quiere oírlo?

Me da igual si los demás no escuchan mi grito. Quien quiero que lo escuche eres tú.

En picado, Nick Hornby

“En picado" es una novela escrita por Nick Hornby, el autor de libros como “Alta Fidelidad” o “Fiebre en las gradas” entre otras tantas.

Está escrito en primera persona del singular por cada uno de los personajes. Sus diferentes puntos de vista, sentimientos y formas de hablar. Todos ellos se encuentran en lo alto del Toppers’ House en nochevieja con la intención de suicidarse.

Martín es un presentador de televisión que ha perdido a su mujer, sus hijas y su empleo tras haberse acostado con una quinceañera, con la consecuente condena de cárcel (“No tenía suficientes pros, y montones de motivos para saltar”).

Maureen es una mujer que ha dedicado toda su vida a cuidar de su hijo Matty, discapacitado (“Por favor conviérteme en una persona que quiere vivir, en ese tipo de persona que quizá está un poco chiflada. Una persona que pudiera decir: ‘Tengo derecho a algo más que esto. No a mucho más; sólo a algo que me hubiera bastado, en lugar de sólo a algo que no me basta. Porque por eso estoy aquí arriba: porque no ha habido nada que bastara para impedirme hacerlo’”).

Jess es una niña de 18 años, de buena familia aunque no lo parece por su forma de vestir, hablar y vivir (“Podías haber aparecido en esa fiesta como la persona más feliz de Londres, y a las doce y cinco te habrían entrado unas increíbles ganas de tirarte de la azotea del edificio. Y yo no era la persona más feliz de Londres. Obviamente”).

Y JJ es un pizzero americano y músico fracasado. El grupo en el que tocaba se disolvió y su novia le dejó. Así que de una tacada perdió el grupo, a su mejor amigo y a su novia, quedándose sólo, en un país que no es el suyo y trabajando como repartidor de pizzas (“Les conté a un par de personas lo de aquella noche, y lo raro del caso es que no les extrañó demasiado la parte del suicidio, pero sí la de las pizzas. A la mayoría de la gente le cabe en la cabeza el suicidio supongo [...] Querer morir parece una parte de estar vivo”).

Al encontrarse todos en lo alto del Toppers’ House descubrirán que realmente no quieren suicidarse, sino tener a alguien que esté como ellos para poder ayudarse y así salvarse.

Poco a poco irán aplazando la fecha final, formarán un grupo inseparable con la idea de apoyarse y afrontarán juntos nuevos conflictos. Sus vidas girarán y, aunque no mejoren, al menos han encontrado la forma de ir sobreviviendo (“[...] ha habido montones de veces en mi vida en que no he podido evitar que Matty me ocupase los sesenta minutos de una hora. No tenía otra cosa en que pensar. Últimamente tengo más cosas en la cabeza, gracias a los del grupo, y a las cosas que les han pasado en la vida”). Y es que “hasta en los malos momentos hay cosas que te hacen sentirte vivo”.

Todo esto está tratado con ese humor sarcástico y negro que caracteriza a las novelas de Nick Hornby. Un humor que, por cierto, me encanta..

El libro termina con una comparación de la vida con una noria: gira y gira y ellos se siguen poniendo plazos para que la noria siga girando (“¿Qué tal si nos damos otros seis meses, entonces? ¿Y vemos cómo nos va?”). Son personas que intentan sobrevivir.

“Nos quedamos mirando la gran noria durante largo rato, tratando de averiguarlo. No parecía moverse, pero seguro que se movía. Supongo”.

Más extraño que la ficción

¿Qué haríamos si una voz narrara nuestros movimientos y nuestra vida? ¿Nuestro destino está escrito o podemos cambiarlo? Estas cuestiones se plantean en “Más extraño que la ficción”, una película dirigida por Marc Forester, Con Will Ferrell, Dustin Hoffman, Emma Thompson y una magnífica Maggie Gyllenhaal.

“Si supieras que vas a morir, quizá pronto, ¿Qué harías?”

Harold Crick es un inspector de hacienda que tiene su vida perfectamente calculada. Cuenta el número de veces que se cepilla los dientes, el número de azulejos o escalones que hay, el número de pasos que da hasta llegar al autobús... y su reloj es un personaje más que a lo largo de la película jugará un papel importante.

Un día, Harold comienza a escuchar una voz femenina que narra todos sus actos y sentimientos. Será entonces cuando descubra que forma parte de la última novela de la escritora Karen Eiffel, gran novelista de dramas y en cuyas historias siempre muere el protagonista.

Es una película sobre la ayuda desinteresada a los demás (“Pensé que si iba a hacer del mundo un lugar mejor, lo podría hacer con galletas”). Pero sobre todo, es una película sobre la LIBERTAD de vivir, dejando de lado los temores (“Harold hacía lo que antes le había aterrado” “Harold vivía su vida”). La libertad de vivir es liberarse (valga la redundancia) de nuestros temores, vergüenzas, condiciones... Afrontar nuestros sueños sin temer al fracaso; porque si no llevas la vida que quieres vivir es como si estuvieras muerto. (“Haz de tu vida la que siempre has querido que sea”).

Además, nos enseña como de esta manera todos podemos ser héroes. Rompiendo nuestros temores podemos hacer grandes cosas (“¿Te pusiste delante de un autobús para salvar a un muchacho? No tenía elección. Tenía que hacerlo”). Este es el tipo de personas a las que hay que salvar. Anna es un claro ejemplo. Es el personaje que menos miedos tiene. Hace aquello que quiere hacer sin temer las consecuencias y eso es precisamente lo que descoloca a Harold pero a la vez le enamora (“Escuche. Soy una gran aficionada a lo de arreglar baches y colocar columpios y montar refugios. ¡Es solo que no me entusiasma demasiado el porcentaje económico que nuestro gobierno destina a la defensa nacional, rescates corporativos y fondos de campaña discrecionales! Por eso no he pagado esos impuestos. Y creo recordar que adjunté una carta en ese sentido, a mi declaración.” “¿Se refiere a esta carta que empieza con: ‘Queridos cerdos imperialistas...’?”).

A lo largo de la película todos los personajes acaban haciendo pequeñas cosas para ayudarse a salvarse unos a otros. Incluso la propia escritora mejorará su vida al conocer a su personaje y descubrir lo que es capaz de hacer por ella. Y a su vez ella intentará ayudarle a él.

“Es la historia de un hombre que encuentra su vida justo antes de perderla” Zach Helm (guionista)

Falling - Lacuna Coil

I stand, looking my hand
I talk with these lines
That`s not the answer
I cry and now I know
looking the sky
I search an answer

So free, free to be
I`m not another liar
I just want to be myself… myself

And now the beat inside of me
is a sort of a cold breeze and I`ve
never any feeling inside
around me…

I bring my body
carry it into another world
I know I live… but like a stone I`m falling down

Damned, looking into the sky
I can feel this rain
right now it`s falling on me
fly, I just want to fly
life is all mine
some day I cry alone,
but I know I`m not the only one

I see that another day is gone
I don`t wanna die…
Please be here when I`ll arrive, don`t die… please

La Sirena Varada, Alejandro Casona

“La sirena varada” es una obra de teatro escrita por Alejandro Casona en la época de preguerra. La crítica acusó a Alejandro Casona de defender una evasión de la realidad en un momento en el que precisamente se necesitaba todo lo contrario. Sin embargo, esta obra no es en absoluto escapista sino que plantea demostrar como esta fantasía está abocada al fracaso.

“No soy escapista que cierra los ojos a la realidad circundante... lo que ocurre es, sencillamente, que yo no considero sólo como realidad la angustia, la desesperación y el sexo. Creo que el sueño es otra realidad tan real como la vigilia”.

En “La sirena varada” un grupo de personajes pretende huir de una realidad decepcionante y dolorosa, creándose su propio refugio: un lugar en el que inventar una nueva vida, sin razonamientos ni disciplinas, que solo obedezca al poder de su imaginación.

“Encuentro que la vida es aburrida y estúpida por falta de imaginación. Demasiada razón, demasiada disciplina en todo. Y he pensado que en cualquier rincón hay media docena de hombres interesantes, con fantasía y sin sentido, que se están pudriendo entre los demás. Pues bien; yo voy a reunirlos en mi casa, libres y disparatados. A inventar una vida nueva, a soñar imposibles. Y todos conmigo, en esta casa: un asilo para huérfanos de sentido común”.

Un fantasma que quiere ser jardinero pero se entera de que está muerto y es Napoleón, una sirena que sale del mar en busca de su amado, un árbol imaginario que siempre se pone en medio, o un pintor con los ojos vendados son algunos de los personajes de este mundo irreal. Pero cuando se meta el amor de por medio, todo empezará a cambiar, porque cuando queremos a alguien, queremos saber la verdad y no vivir de sueños.

“Te quise al principio, porque parecías un sueño, y ahora me da miedo pensar que de verdad no seas más que un sueño y que te desvanezca la luz. Y es que te quiero... ¡Te quiero como no me imaginaba capaz de querer a nadie, con toda la fuerza de mis entrañas! Pero ¿quién eres?, ¿cómo eres de verdad?”.

Sirena es una mujer que, golpeada por la cruel realidad que le rodeaba, decidió refugiarse también en un mundo de fantasía. A lo largo de la obra, el único personaje que intenta devolver a la realidad a los demás es Don Florín, una persona que no entiende ese mundo de fantasía y que se propone curar a Sirena de su “locura”.

“- ¡La vida es tan piadosa con ella! Le dio, a cambio de esto, todo un mundo de fantasía para refugiarse en él. ¿Por qué se lo quita usted?
- Porque es mentira.
[...] – Mentirle, no; por dura que sea la verdad, hay que mirarla de frente. ¿Me oye Daniel? Por dura que sea. De nada sirve vendarse los ojos.”

El camino más fácil es huir de la realidad y refugiarte en un mundo de sueños. Es tan fácil como cambiar de canal cuando dan una noticia que no quieres ver, como girar la cabeza cuando ves algo que no te gusta... Pero, ¿pensamos en los demás cuando hacemos algo así?

“La razón... ¡Cómo la pides ahora! También antes pedías la locura, y cuando la encontraste no tuviste más que instinto para volverte atrás. [...] Pero pienso en aquel tu afán de deshumanizar la vida, y mira a los demás. Lo que para ti era un simple juego de ingenio era para ellos dolor, operabas sobre carne viva. Y no viste la locura de María, ni el hambre miserable de Samy, ni siquiera la tragedia pueril de ese pobre Fantasma que tenía miedo de su propia sombra y se moría de fe por los desvanes.”

Todo el enlace entre el mundo interior de los personajes y los hechos reales del exterior se realiza a través de una manipulación simbólica de la luz. La luz, en esta obra, es un personaje más: luces verdes y rojas que representan la fantasía, el sueño, lo irreal, y una luz blanca que representa lo real (“nada de luces verdes y rojas; esta luz blanca... y el sol mejor que nada”).

“La sirena varada” se autodenomina como comedia. Sin embargo, no es un humor explícito sino más bien irónico y rebuscado. Entrambasaguas lo define como “un humorismo de líneas y tintas finísimas, cuya autenticidad y nobleza de estilo se manifiesta en esa unión del verdadero humor de lo irónico y lo poético, de lo burlesco y lo sentimental”.

“Creo que cada vez se hace más urgente llevar al teatro las inquietudes, los problemas del mundo. Así fue siempre, y hoy menos que nunca tenemos derecho a entretenernos en los laberintos estéticos del arte por el arte. Grande es ser artista; pero necesario es servir..., y el teatro puede, debe, prestar espiritual servicio.” Alejandro Casona

Sirena Varada, Héroes del silencio

"Sirena vuelve al mar
varada por la realidad
sufrir de alucinaciones
cuando el cielo no parece escuchar..."

Andy Warhol

12 sillas eléctricas, Andy Warhol

"Se hace una y otra vez... Se reescriben todo el tiempo los libros de historia. Poco importa lo que se ha hecho. Todo el mundo continúa pensando lo mismo y cada año es más de lo mismo. Aquellos que más hablan de individualidad son los más propensos a las desviaciones y, en algunos años, probablemente serán lo contrario. Un día todo el mundo pensará solamente en lo que desea pensar y entonces probablemente todo el mundo pensará lo mismo; esto es lo que parece producirse."

ANDY WARHOL

Pistolas, Andy Warhol

La chica junto al flexo

La chica junto al flexo es, como su propio autor dice, “una obra que necesitó para ser escrita poco más de un mes y 31 años de experiencia vitales y escénicas”.

Una obra de teatro escrita por Víctor Iriarte, en la que relata la historia de un grupo de jóvenes de entre 25 y 26 años, en un entorno de ‘back stage’ de conciertos pop-rock.

Irene es una joven estudiante de doctorado en literatura, reservada, siempre a la defensiva y bastante misteriosa. Es ‘la chica junto al flexo’ iluminada por la luz de éste solo en parte, dejando oscuridad a su alrededor. Una mujer con actitud dura, incluso cruel a veces, con una fuerte coraza que protege como a su propia vida.

Comparte piso con Pedro, joven ‘guapete’, cantante del grupo musical Los Soviets. Es el prototipo de cantante que enamora a las quinceañeras. Su actitud es como la de sus amigos, sin embargo hay algo que le hace diferente. Quizá la seriedad que muestra a veces, o el intentar ponerse al nivel de Irene para poder mantener una conversación con ella. Sin embargo, no llega a conseguirlo, pero el hecho de intentarlo resulta enternecedor.

Sus amigos son los típicos coleguillas que, tal como dice Irene: “nunca he dicho que seas un ignorante. Ni Luis o Pau. Pero hay una cosa que me desagrada profundamente. Que os pavoneéis de vuestra ignorancia. Que presumáis de no saber nada; que descalifiquéis a la gente que hace o dice cualquier cosa interesante”. Sus intereses básicamente son la música, los coches, el alcohol y las mujeres (mujeres de ombligo, tanga ‘azul cielo’ y demás...).

Quizá sean personajes demasiado prototípicos, pero desgraciadamente existentes. En cuanto a Luis, amigo de Pedro, a pesar de su forma de ser, de sus bromas y estupideces, se le entreve una persona legal, de confianza, y un poco tonto que se deja llevar por los demás. Y eso es lo que hace que Irene se apoye en él y le coja cariño.

Según dice el propio Víctor Iriarte en la introducción, con esta obra “quería trasladar al ambiente juvenil ciertos mensajes que pienso que hoy están completamente fuera de onda: el deseo de saber para no dejarse manipular, la apuesta por superar las dificultades sin hacer pucheros, la ética del trabajo bien hecho, el esfuerzo honesto por construirse un lugar en el mundo... En definitiva, el rechazo de la mediocridad”.

Pero en ese intento de reflejar el ambiente juvenil cae en expresiones forzadas, que no encajan del todo bien en el entorno de los personajes (“Mola mogollón” o “pero entonces me estaba metiendo pastillas a mogollón”).

A lo largo de la obra consigue que la trama te enganche. Sin embargo, hacia el final, cuando el misterio se resuelve, cae en un momento de ‘ñoñería’ extrema que desaparece con la última escena, haciendo que no nos quedemos con ese sabor de boca empalagoso. La conjunción de personajes del presente y el pasado en una misma escena, diferenciados por la luz y su estatismo, le da un toque narrativo muy bueno y compensa otras partes más sencillas.

Espero con ganas el momento en el que se represente esta obra, porque estoy convencida de que pronto la podremos ver en los escenarios. Y, de hecho, creo que ganará más al ser representada.

Los Persas de Bieito

Calixto Bieito puso en escena el viernes en Baluarte (Pamplona) su última obra: Los Persas, réquiem por un soldado. Basada en la obra de Esquilo, no queda nada del original; algo habitual en Bieito.

A modo de coro tenemos a un grupo de militares macarras cantando el ‘Soy el novio de la muerte’ a son de rock, y adelantándonos el trágico final de la protagonista.

Jerjes es una mujer con vocación militar que va a Afganistán con nuestro ejército en “labor humanitaria”, encontrando la muerte. Darío es su padre, angustiado por el fracaso del Atlético de Madrid y por lo que le pueda pasar a su pequeña. Como buen padre, no entiende por qué tiene que ser ella la que arriesgue la vida por la patria española.

Bieito nos habla de unos militares que van a un país en misión de paz y se encuentran con guerra, barbarie, muerte. Pero también nos habla de las atrocidades que el ser humano es capaz de cometer. Gente que ve las guerras como videojuegos, que utiliza la guerra para saciar su sed de morbo y perversión, porque “en una guerra puedes hacer lo que quieras, todo está permitido”. Nos dicen que están en misión de paz, que van a salvar a unos niños que están en un colegio, pero justo después nos hablan de matar, del peligro que esos niños tienen porque “podrían esconder una granada en sus pequeñas manos” “las guerras se hacen contra los niños”. Bieito intenta hacernos ver que el gobierno nos está vendiendo patrañas cuando manda soldados a Afganistán.

"Esta no es una tragedia sobre dioses y sus cábalas sino sobre simples y mortales humanos; sobre sus angustias, tristezas y lamentos por una guerra perdida y por sus soldados muertos; todos ellos con nombre y apellidos que es cuando los muertos duelen más ya que Los Persas es también una pieza sobre el exceso de soberbia de un país civilizado que intenta imponer su "tiranía" sobre otro".

Pero también es una tragedia sobre las familias de estas personas, que sufren por sus hijos, maridos, mujeres, padres, madres... sin entender qué están defendiendo.

Una gran obra antibelicista, con una voz de Natalia Dicenta digna de destacar, que en muchas ocasiones pone los pelos de punta. Y sin embargo, he de reconocer que es una obra dura, con descripciones estremecedoras, imágenes escabrosas. Pero, en fin, así es la guerra. “La guerra nunca acaba. La guerra es eterna”.

Cyrano de Bergerac

Cyrano de Bergerac narra la historia de un hombre feo, enamorado de su prima Rosana. Su físico y el amor que su prima siente por el joven y guapo soldado Cristián, le impide tener el valor para declararse por miedo a ser rechazado. Ayudará entonces a Cristián dándole las palabras que le faltan para enamorar a Rosana y de esa forma, Cyrano encuentra en el joven la manera de expresar a su amada todo lo que lleva dentro.

Con el tiempo, Rosana acabará enamorándose del alma de Cristián llegando al punto de no importarle si es feo o hermoso, si tiene la cara deforme o el rostro de un ángel. Pero lo que no sabe es que, de quien realmente está enamorada es de Cyrano, de su alma y de su voz. Llegado a este punto nos preguntamos, ¿de qué nos enamoramos realmente? ¿de un físico hermoso o de un alma llena?

Desgraciadamente estamos demasiado condicionados por la sociedad en la que vivimos y es inevitable que un buen físico nos llame la atención. ¿Pero es eso realmente lo que nos llena? ¿Somos capaces de enamorarnos de alguien únicamente por su interior?

Yo soy de las que piensan que el “alma” de una persona, lo que lleva dentro, lo que te aporta y te llena, puede hacer atractivo incluso al más feo. Y además... ¿quién puede resistirse a la mirada de ese Cyrano enamorado y orgulloso? Es capaz de partirle el corazón a cualquiera de los que estábamos sentados en el Teatro Gayarre el sábado por la noche. Un hombre valiente, sin miedo (aparentemente), noble y de principios claros. Y que solamente con una pizca de ilusión, es capaz de enfrentarse a 100 hombres y a todos los que le echen encima.

Magnífica actuación de José Pedro Carrión y Lucía Quintana, bajo la dirección de John Strasberg para completar un sábado algo “ñoño”. Cómo contener la emoción ante frases como “me enamoro de un hombre y le pierdo dos veces”.

El Síndrome de la Rana Hervida

"La experiencia es cruel, pero no tenemos necesidad de realizarla en directo. En un gran perol de agua fría se deja caer una rana. Al principio el animal examina su entorno con curiosidad. Entonces, lentamente, con la ausencia de escrúpulos de cualquier experiencia científica, empezamos a calentar el perol. Poco a poco la temperatura del agua empieza a subir. El batracio, animal de sangre fría, se adapta a la nueva temperatura. Mientras tanto, en aras de la demostración científica, continuamos calentando el perol. La rana colabora. No parece sentir molestias. Quizá encuentra que el agua está un poco demasiado caliente, pero continúa adaptándose. La temperatura del agua se va haciendo cada vez más alta. La rana, con una capacidad de supervivencia pasmosa, continúa tan tranquila, quizá ligeramente más nerviosa en su perol. Sin embargo, a partir de cierta temperatura, los sistemas de adaptación de la rana se colapsan y entonces la rana se muere de repente, completamente cocida.

Con ello hemos llegado al punto crítico que se pretende establecer con esta analogía atroz. Nosotros somos la rana. El planeta es el perol. Los analistas del cambio climático aseguran que el planeta está calentándose. También conocemos la asombrosa capacidad de adaptación de la especie humana pero podemos imaginar que se llegará a un punto en que se colapsen nuestros sistemas de adaptación. Minimizando la amenaza o confiando en nuestras posibilidades de supervivencia, la especie humana morirá sin darse cuenta, con poco e inútil ajetreo, cocida como la rana. La conclusión es sencilla. Es importante tomar conciencia de que el agua está calentándose y hacer lo posible para apagar el fuego bajo el perol. Ahora bien, si el proceso escapa al alcance del hombre, si obedece a fuerzas que no son las nuestras, si cumple ciclos que no son de nuestro calendario en la Tierra, podemos considerarnos una especie en vías de extinción."

Una verdad incómoda

Éste es un documental algo interesado, como todo lo que puede salir de un político. Sin embargo, creo que el trabajo que hace es realmente bueno. Cn sencillez, claridad y datos sorprendentes, te abre los ojos a una realidad que está ahí y que muchos siguen empeñados en no ver. Aquí queda este fragmento, que te pone la piel de gallina.

Pequeño cabaret ambulante

El vídeo no tiene muy buena calidad, pero es lo mejor que he encontrado. Tenía que poner esta canción en el blog...

"Cuando era pequeño me enseñaron a perder la inocencia gota a gota. Qué idiotas.
Cuando fui creciendo aprendí a llevar como escudo la mentira. Qué tontería.
De pequeño me enseñaron a querer ser mayor. De mayor voy a aprender a ser pequeño. Así cuando cometa otra vez el mismo error quizás no me lo tengas tan en cuenta."

Todavía, la memoria alevosa

Aquel tiempo

que dejamos por muerto volvió en sí,

y me hirió mortalmente por la espalda.

La memoria alevosa

Cuchillo por la espalda,

Es como haberlo vivido ayer.

Y entre que sangre la memoria,

O no,

Que sangre. Y se haga río.

Y sus rápidos me devuelvan...

La sala a media luz

La charla a media voz

Los ojos a media pasión

La forma en que a medianoche,

Cada media palabra,

Se me humedecieron

Primero: las manos

Segundo: los ojos

Después: todo

Ángel González

Tapas

Está dirigida y escrita por los poco conocidos José Corbacho y Juan Cruz.

Nos cuenta la realidad de un barrio cualquiera, en este caso L’Hospitalet, y sus personajes. Historias que se entrelazan, girando todas en torno a un nexo común: la soledad.

Raquel (Elvira Minguez): es una mujer entrada en años pero de buen ver, que vive sola y mantiene una relación por internet con un argentino. La soledad que siente y la falta de cariño, hace que un día mantenga un breve pero intenso romance con un chico de 22 años:

César (Rubén Ochandiano): trabaja en un supermercado con su amigo Opo (Darío Paso). Ambos planean las vacaciones a un festival de música. Sus intereses comunes son las fiestas, la droga y el sexo. Jóvenes vividores que quieren aprovechar el tiempo al máximo. Opo se molesta al ver que Raquel se interpone en su amistad con César así como en sus planes del verano.

Conchi (María Galiana): es una anciana pensionista que cuida de su marido Mariano, enfermo de cáncer. Al no poder subsistir únicamente con su pensión, se dedica a vender droga a los jóvenes del barrio en el bar de Lolo. Conchi deberá enfrentarse al temor a la enfermedad de Mariano, así como a la soledad que le espera.

Lolo (Ángel de Andrés): es el dueño del bar del barrio. Su mujer, Marisa, trabaja con él como cocinera. Pero un buen día, harta de ver cómo su marido la explota sin importarle sus sentimientos y sin tener ningún detalle con ella, decide escaparse y abandonar a Lolo. Éste tendrá que contratar entonces a otro camarero: Mao (Alberto Jo Lee). Mao enseñará a Lolo que hay cosas en la vida que importan más que su bar, y que a las personas hay que tratarlas como tales o se irán dejándole solo.

A estos personajes hay que añadir otros tantos como el trío de arpías que se dedican a marujear y hacer comentarios dolorosos; el perro que han dejado solo y que es liberado por Doña Conchi; la novia de Mao, que le espera pacientemente todos los días a la salida del trabajo, la prostituta que da consejos a Lolo para recuperar a su mujer...

Todos ellos personajes con un enorme sentimiento de soledad, la necesidad de tener alguien al lado con quien compartir su vida, alguien a quien querer y en quien confiar. Porque todos forman parte del mismo barrio, pero ninguno sabe lo que siente y padece su vecino, ni le importa.

Vivir como un mutilado 1

Yannis Kontos, Grecia

Entre 1991 y 2002, la República de Sierra Leona sufrió las consecuencias devastadoras de una espiral de violencia civil y política derivada del conflicto provocado por los diamantes. A pesar de la firma del acuerdo de paz y la creación de un Tribunal Internacional de Crímenes de Guerra, la esperanza de vida es de 36 años. Cada niño que nace jamás recibirá ningún tipo de medicamento o vacuna. Sierra Leona sigue llenando los escaparates de las joyerías con diamantes por valor de 300 a 450 millones de dólares anuales, lo que lo convierte en uno de los países más ricos del mundo en reservas de diamantes. Sierra Leona es una nación extremadamente pobre con una terrible desigualdad en la distribución de la renta. Las personas que se benefician del régimen son cada vez más ricas mientras que la gente normal tiene la renta media más baja del mundo. Durante la guerra civil, murieron 75.000 personas y se calcula que otras 20.000 fueron mutiladas. Los rebeldes del Frente Revolucionario Unido (RUF) desarrollaron la espantosa táctica de cortar las manos o las piernas de los civiles como medio para aterrorizar a la población. Abu Bakarr Kargbo, de 31 años, fue una de las miles de personas afectadas por esta práctica.

Este es el ganador del premio Luis Valtueña de fotografía humanitaria. Durante estos días y hasta el 20 de octubre, Civican acogerá esta exposición. Os recomiendo que os acerquéis a verla porque algunas de las fotografías cumplen con el dicho de "una imagen dice más que mil palabras".

Caída

Y me vuelvo a caer desde mí mismo
Al vacío,
A la nada.
¡Qué pirueta!
¿Desciendo o vuelo?
No lo sé.
Recibo
El golpe de rigor, y me incorporo.
Me toco para ver si hubo gran daño,
Mas no me encuentro.
Mi cuerpo ¿dónde está?
Me duele sólo el alma.

Nada grave.

Ángel González

Despabilate amor

Despabilate amor, Mario Bennedetti

"SEGÚN la última encuesta sobre Condiciones de Vida elaborada por el INE sobre el año 2004, un 12,7% de la población navarra se encuentra por debajo del umbral de pobreza (lo que supone en torno a unos 72.000 navarros). Un umbral definido por la Unión Europea como el 60% de la media de los ingresos por unidad de consumo de las personas, es decir, tener unos ingresos por persona inferiores a 6.278,7 euros.

Como le suele gustar afirmar al Gobierno de Navarra, se podría decir que este dato no es tan preocupante a la vista de los datos comparativos con el conjunto del Estado, pues en este caso alcanza el 19,9% la población por debajo de dicho umbral de pobreza. Sin embargo, si vemos las personas que mayoritariamente copan esta dura estadística y las no tan difíciles soluciones de mejora a aplicar, no podemos decir sino que se trata de una autocomplacencia grotesca de cara a las personas que padecen el estar por debajo de dicho umbral de pobreza."

Txema Mauleón en Diario de Noticias, el 6 de noviembre de 2006

Domicilio privado

Domicilio Privado es una película dirigida por el italiano Saverio Costanzo y basada en un hecho real que el propio director presenció. Con esta película ganó la Espiga de Plata y he de decir que totalmente merecida.

Nos cuenta la historia de Mohamed, un profesor, padre de cinco hijos, que vive en una casa a medio camino entre un pueblo palestino y un asentamiento judío. Esta casa acaba convirtiéndose en un lugar estratégico así que el ejército judío decide ocuparla. La divide en 3 partes: el salón, donde pasan la noche; el resto de la planta baja, donde pueden estar por el día; y la planta de arriba a la que tienen prohibido subir.

Con esta ocupación, cada familiar reaccionará de diferente forma: unos querrán huir a un lugar seguro, otros querrán resistir usando la violencia si es necesario, otros querrán vengarse, pero se impondrá la decisión del padre: una resistencia no violenta.

“- Como vuelvan a destrozarlo se van a enterar.
- Si vuelven a destrozarlo, volveremos a arreglarlo. Y si vuelven a destrozarlo otra vez, volveremos a arreglarlo otra vez. Hasta que se cansen.”

Mariam, la hija mayor, de 17 años, es la única que apoya a su padre en la resistencia, pero lo hace desde un punto de vista muy distinto al de su padre:

“- Quiero quedarme en mi habitación. No voy a encerrarme. No quiero bajar otra vez por su culpa. No voy a hacer lo que ellos me digan.
- Mariam, mete tus cosas en una maleta y baja ahora mismo.
- ¿Por qué?
- Porque yo lo digo. Es lo mejor para todos.
- ¿Por qué no les hacemos frente de una vez? No podemos quedarnos aquí con los brazos cruzados.
- Quedarse aquí es hacerles frente. Es nuestra forma de luchar. No solo se les hace frente con armas.
- ¿Esto es luchar? ¿Qué estamos haciendo papá? Quedarnos encerrados en una habitación mientras ellos se pasean por toda la casa como si fuese suya. Míranos. Mira nuestra familia. Tenemos que pelear. Tenemos que enfrentarnos a ellos. No dejaré que me traten como a un animal ni un minuto más. No soy cobarde. Me defenderé a tiros. Lo haré.
- Mariam, cobardes son las personas que solo conocen el lenguaje de la intimidación, aquellos a los que les gusta el olor a sangre y que creen que la única forma de resolver los problemas es a través de la violencia y la arrogancia.
- No soy cobarde y combatiré su fuego con fuego.
- Combatir fuego con fuego... hija mía, no enseñes los dientes si no puedes morder. Benditos sean quienes conocen sus límites y saben cuando parar.”

Mariam, en su intento por conseguir una solución, hace caso omiso a la prohibición y sube a escondidas al piso de arriba, escondiéndose en un armario. Desde esa rendija conocerá a los soldados que ocupan su casa, sus preocupaciones, sus sentimientos, su temor a ser atacados, sus dudas sobre lo que hacen ahí. Descubrirá que, al igual que ella, son seres humanos. Entonces comprenderá las palabras del padre y respetará la resistencia mediante la no violencia. Cuando todo parece estar volviendo a la normalidad, un intento de violencia amenazará con destruir lo que han conseguido con la paz.

El director pone a la cámara como un componente más de la casa, una persona ajena que observa a los demás, al igual que Mariam observa a los soldados. Es un intento de demostrar que la paz se puede conseguir mirando al vecino y descubriendo que son personas igual que nosotros.

Una solución pacífica, no violenta, a una guerra absurda que se podría haber evitado con un poco de humanidad y algo de sentido común.

Algunos días en septiembre

Dirigida por Santiago Amigorena y protagonizada por actores de renombre como Juliette Binoche, John Turturro o Nick Nolte.

La historia se desarrolla en los días previos a los atentados del 11S. Irene (Juliette Binoche) tiene que reunir a Orlando y David, los dos hijos de Elliot (Nick Nolte) con quien trabajó hace 10 años, para ver a su padre, que lleva desaparecido 10 años para una y unos meses para el otro.

“¿Sabes lo que es la diplomacia? Pues ellos se dedican a lo contrario. Si la diplomacia es el arte de convencer para mantener la paz, ellos se dedican a conseguir la guerra.”

Bajo esta historia, el director nos ofrece una particular visión del 11S. (“¿Por qué te quitas las gafas? Porque me gusta verlo todo de forma distinta”). Una visión de una guerra provocada por intereses económicos y con previo conocimiento de las intenciones. Elliot ha tenido que huir ya que posee una importante información acerca de lo que va a pasar próximamente. Paralelamente a su trabajo de “espía”, se dedica a dar consejos de inversión a una fuerte empresa. A la vez que desaparece, aconseja a esta empresa retirar todo su dinero de Estados Unidos ya que prevé que la bolsa caerá en un 25% en unos días. Intrigados por saber el por qué de esta sugerencia, hacen lo posible por encontrar a Elliot y pedirle explicaciones. A la vez, Elliot también quiere reunirse con sus dos hijos e Irene. Y por otro lado, William Pound (John Turturro), un antiguo compañero de trabajo de Elliot e Irene, le persigue para matarle. En fin, un buen enredo de espías, pero al más puro estilo europeo, sin grandes pretensiones ni efectos especiales, donde predominan más las palabras que la acción.

Hace 10 años, Elliot dejó atrás, en Francia, una hija: Orlando, para irse a Washington e iniciar otra vida, con otra familia, y otro hijo: David. (“Es extraño ¿no creéis? La misma persona a un lado del atlántico tiene una hija que quiere matarle, le odia. Y al otro lado tiene un hijo que le quiere y que cree que es el mejor hombre del mundo.” “Hay muchas diferencias entre los dos lados del atlántico”). Santiago Amigorena utiliza a estos dos personajes opuestos para representar la postura de ambos países tras el 11S y la invasión de Irak, así como las diferencias entre ambos países.

“- Los americanos no te caen bien ¿eh? ¿por qué?
- [...] Porque sois paticortos. Porque os gusta Swachenager. Porque os cuidáis de vuestro cuerpo como si fuera una máquina y de vuestra inteligencia como si fuera un tomate. Porque os creéis que debéis salvar a la humanidad y ¡sorpresa!Lo que creéis que es bueno para la humanidad también suele ser bueno para vosotros. ¿Es suficiente o quieres más?
- [...] ¿Sabes? Te has dejado otras opciones. Puedes odiarnos porque nos gusta la comida basura. Porque tenemos miedo de caer enfermos. Porque estamos en contra del aborto pero a favor de la pena de muerte. Porque apenas follamos. Y porque la mitad de nosotros, bueno casi la mitad, votamos a George W. Bush. Pero verás, a mí que los franceses tengan un presidente prácticamente estúpido no ha impedido que me encanten.
- [...] Los americanos sois como los dinosaurios. Sois fuertes y creéis que vais a vivir y mandar eternamente. ¿Nunca te has preguntado por qué rodáis siempre películas de dinosaurios? Es porque os identificáis con ellos. Dentro de unos años, 20 ó 30, la gente intentará entender cómo un ejército tan poderoso llegó a desaparecer de forma tan insignificante.”

En mi opinión una buena película, con unas imágenes hermosas y sugerentes. Y unos actores de lujo, con una Juliette Binoche que se aleja de sus papeles melancólicos para interpretar a una mujer de una exquisita ironía; y John Turturro en un gran papel de neurótico que llama a su psicoanalista cada vez que fracasa en su intento de matar a Elliot.

La Revista Negra. New Orleans for ever.

La revista negra ha estado este miércoles y jueves en Baluarte, dirigida por Jerôme Savary y con un elenco de bailarines, músicos y voces que ponían la piel de gallina en algunos momentos.

Un productor de espectáculos francés busca, entre los escombros de una Nueva Orleans destrozada por el Katrina, una bailarina negra que encarne el personaje de Joséphine Baker resucitando su Revista negra.

Bajo este hilo argumental, aprovecharán para hacer un mini-repaso por la historia de la esclavitud, de la dignidad de las personas, de la música negra y de la libertad. Cuando en el resto de países los negros eran apartados y discriminados, en Francia triunfó Joséphine Baker con una Revista Negra que en Pamplona causó grandes escándalos en 1930, con su falda de bananas.

La esclavitud se abolió, pero aún la tenemos de forma legal. Inmigrantes que llegan a nuestro país sin papeles y trabajan en unas condiciones pésimas, jóvenes que están empezando en el mundo laboral con contratos precarios sin poder exigir sus derechos como trabajadores porque serían despedidos inmediatamente, o no renovados. O la esclavitud capitalista, que nos hace perder nuestro tiempo de ocio trabajando como locos para poder pagar una “vida digna”, que lo único que hace es atarnos aún más con hipotecas y alienarnos como personas. Como dicen en la obra “Hermano, la esclavitud se abolió y yo sin enterarme. Eso tenían que habérmelo dicho.”

En su tiempo, Joséphine Baker causó grandes escándalos por su atrevida falda de bananas y salir medio desnuda a los escenarios. Hoy en día la cosa no ha cambiado tanto. Un desnudo en el escenario sigue causando escándalo y en muchos casos, desagrado. Seguimos teniendo las mentes cerradas a un arte diferente. Francia nos dio mil vueltas entonces, y nos las seguirá dando, porque nos estamos quedando estancados o dando pasos de tortuga.

Magníficos bailes y unas voces excelentes, acompañadas de músicos y unas imágenes que acompañaban la obra dotándola de intensidad. Pero de entre todas las voces me quedo con la de Allen Hoist, una auténtica voz de bluesman, que se te mete dentro del cuerpo casi sin darte cuenta.

Payasos sin Fronteras

"Ya oyó su sentencia, así que tendrá que acostumbrarse a seguir escuchando la música radiofónica de la vida. [...] Debe aprender a reír, eso es lo que le exigimos. Debe comprender el humor de la vida, el humor negro de esta vida."

El Lobo Estepario, Hermann Hesse

Silencio

"Había el hablar de las cosas y el callar de las cosas. Había, sí, esas dos percepciones que hacían especial un cuadro o un poema. Una, el hablar de las cosas. Captar el hablar de las cosas, su aura expansiva, su querer decir, y traducirlo al lenguaje de la luz o los sonidos. La otra, el callar de las cosas, su esconderse. Su ausentarse. Su vaciar. Su pérdida. Reflejar o contar esto era otro estremecimiento. El primer arte provocaba un estremecimiento frontal. El segundo, una corriente lumbar.

Un momento. Aún en el callar de las cosas podían distinguirse dos clases de silencio. Un silencio amigo, que nos acompaña, donde se pueden recrear las palabras, y otro silencio. El que atemoriza. A este silencio, dijo Huici, Rosalía de Castro lo llamó 'el silencio mudo'".

Manuel Rivas, Los libros arden mal

Dos días en París

Es la última película de July Delpy. Escrita, dirigida y protagonizada por ella y cuenta con la compañía de Daniel Brühl y Adam Goldberg. Con este reparto, no pude evitar verla.

Julye Delpy y Adam Goldberg vuelven de un viaje por Venecia pero antes deciden parar dos días en Paris, donde ella tiene una casa, encima de la de sus padres. Será en ese momento cuando, después de dos años de relación, Goldman empiece a conocer con quién está; o mejor dicho, empiece a conocer el pasado de la persona con la que está. Los celos empezarán a apoderarse de él, desconfiará y comenzarán las dudas.

Es una comedia romántica que la crítica ha puesto bastante mal. He de decir que lo que ponen las críticas es mas o menos cierto, sin embargo no creo que sea algo negativo. En la película se ven claras influencias de Woody Allen y Richard Linklater (Antes del atardecer). Diálogos satíricos sobre norteamericanos y franceses (no se salva ni uno). Con tópicos, claro, toda sátira lleva tópicos; pero bien llevados: franceses como artistas extravagantes, salidos, liberales. Norteamericanos obsesionados con ataques terroristas, hipocondríacos, amantes de la comida rápida, y conservadores. Y taxistas bipolares, empeñados en meterse en la vida de los demás o con claras tendencias racistas.

Además, durante la película destacan los problemas de incomunicación de la pareja, tratados también de forma metafórica en las dificultades de idioma. La marginación que sufre Adam Goldberg en la película es un buen ejemplo de cómo muchas veces a la gente que nos rodea no le importa que no entiendas lo que están diciendo, no se molestarán en explicártelo, simplemente te echarán a un lado y seguirán hablando.

Trata un humor irónico, nada facilón y que, personalmente, me encanta. Pero lo más destacable es la intervención de Daniel Brühl a modo de “ángel salvador” y boicoteador de antros de comida rápida (recordando sus tiempos de ‘Los Edukadores’).

Thinking Blogger Award

Haciendo honor al Thinking Blogger Award que me otorga Antero, aquí va mi post dedicado al tema.

Las condiciones del premio son las siguientes:

1.- Si alguien te otorga el premio, escribe un post con los 5 blogs que te hacen pensar.
2.- Enlaza el post original, así la gente puede encontrar el origen del mismo.
3.- Exhibe o muestra el "Thinking Blogger Awards" con un enlace del post que tu mismo escribas. Hay dos modelos de botón para mostrarlo en el blog, plateado o dorado, tu solo has de escoger el que más te guste o mejor combine con tu blog.

Así que aquí van mis recomendaciones para aquellos que tengan gustos parecidos a los míos:

1. El blog de Juan Cosaco, porque realmente hace pensar y porque blogs como ése son los que me han hecho dar el paso de crear el mío propio.
2. Aquí muere hasta el apuntador. Un buen blog de crítica teatral e información sobre actividades culturales.
3. De libros, cine, música... Un enorme listado de sugerencias musicales, cinematográficas y literarias para seguir aprendiendo.
4. Consuela's Blog. Porque expresa su opinión más íntima para que nosotros podamos opinar y aprender de sus experiencias y visiones de las cosas que le rodean.
5. Blog de cine. Porque, aunque no esté de acuerdo con unas cuantas críticas que hace, me mantiene informada de las novedades cinematográficas que van saliendo día a día.

Hay mil blogs mejores que los nuestros, pero estos son por los que me muevo, los que cada día me enseñan un poco más y también los que me dan su opinión y escuchan la mía. Así que ahí van esas nominaciones para el que quiera recogerlas.

Un saludo a todos!

Without You - Doro Warlock

¡Viva Zapatero!

Se presenta como un “Documental satírico de Sabina Guzzanti”. Es un documental contra el control mediático de Italia y a favor de la libertad de expresión.

Sabina Guzzanti escribió para la Rai un programa satírico como cualquier otro. Sin embargo, después de la primera emisión, fue cancelado por insultar al gobierno. Lejos de apoyar a la directora, todos los medios de comunicación apoyaron la censura. Tiempo después, la acusación fue desestimada por considerar al programa satírico, de humor y que, además, lo que decía era “sustancialmente cierto”. Sin embargo, no volvió a emitirse el programa.

Sabina nos cuenta cómo Berlusconi controla los medios de comunicación, ya que están bajo su poder. Numerosos humoristas y periodistas fueron despedidos por hablar contra el gobierno. Y en su lugar, se pusieron otros elegidos por el propio partido de Berlusconi. Nos habla de la Ley Gasparri por la cual se le concede a Berlusconi el monopolio de los medios de comunicación:

“La Cámara de Diputados aprobó ayer en Italia por 311 votos contra 246 la llamada "ley Gasparri", que favorece la concentración de la propiedad de los medios y ante todo al primer ministro Silvio Berlusconi, el hombre más rico del país y hegemónico entre los empresarios de televisión y radio.
El gran presentismo del centroderecha confirmó el previsto "blindaje" de la mayoría oficialista a una ley ansiada por Berlusconi, dueño de las tres principales cadenas privadas de televisión, la mayor editorial, empresas publicitarias, varios diarios y uno de los semanarios más importantes de Italia.
"Il cavaliere", como se conoce en Italia a Berlusconi, dueño de la mayor fortuna de Italia, controla además con mano férrea la estatal radio y televisión (RAI) y, por otra parte, extendió su imperio mediático a otros países dentro y fuera de Europa. “

Italia se encuentra en el puesto 53 de 166 en cuanto a libertad de expresión, estando por debajo de algunos países latinoamericanos y africanos. ¿No está mal eh?

“La sátira no puede ni debe hacer pensar”. “La política para los políticos. Limítate a hacernos reír”.

Uno de los entrevistados nos cuenta cómo pasando las páginas de periódicos antiguos descubrió cómo había nacido el fascismo. Iba pasando una página y luego otra... Y al final el periódico ya era fascista.

“Durante el fascismo se persuadía con intimidación y miedo físico. Hoy se persuade con intimidación y miedo psicológico. Te das cuenta de que tu carrera está en juego, tu futuro está en juego, los puestos que puedes ocupar. Mientras recompensan a otros, a ti te marginan y acabas por unirte a ellos.”

El título del documental hace alusión a que cuando Zapatero fue elegido, inició un proceso en las cortes para abolir la ley que permitía al presidente nombrar a los cargos de TVE (interesante).

En España la libertad de expresión quizá no está censurada de una forma tan drástica, sin embargo poco a poco vamos viendo pequeñas muestras de que, si no protestamos y apoyamos a los afectados, la cosa puede ir a peor. Como ejemplo cercano tenemos el secuestro de la edición de la revista El Jueves.

“Una democracia justa y limpia no tiene miedo a la burla”.

The Fountain

¿Existe el amor eterno? ¿Un único amor? Es una cuestión que se plantea bastante a menudo en el arte. En esta película Darren Aronofsky (Pi, Réquiem por un sueño) nos habla de un amor tan eterno que sobrevive a todos los tiempos.

“Así pues, Dios expulsó a Adán y Eva del jardín del Edén y puso ante él una espada de fuego para proteger el árbol de la vida” Génesis 3:24

Desde entonces, los hombres han perseguido con ansia el secreto de la vida eterna. Unos por poder, otros por vanidad, otros... por amor.

Tres tiempos distintos: Invierno de 1535 en Chetumal, Nueva España; Invierno de 2005; e Invierno de 2463 cerca de Xibalbá. En esas tres épocas, Tomás Creo, Tommy (Hugh Jackman) luchará por vencer la muerte, por conseguir la vida eterna para poder vivirla al lado de su amada Isabel, Izzi (Rachel Weisz), para poder salvarla.

“En realidad es una nebulosa que envuelve a una estrella moribunda. Por eso parece dorada. Los mayas la llamaban Xibalbá. Es la palabra maya para el más allá. Creían que era el lugar donde iban las almas muertas para renacer. Algún día explotará, morirá y dará origen a nuevas estrellas. Muerte, renacimiento... así entendían ellos la vida.”

Finalmente, es una idea de vida eterna a través de la reencarnación. De esa manera perdura nuestra alma. (¿Qué opinará de ello el gobierno chino, que prohíbe la reencarnación del Dalai Lama?)

Es una película con unas imágenes de gran belleza y perfecta para los románticos. La idea original de la Fuente no se pudo llevar a cabo, por ello Aronofsky decidió llevar la idea a cómic con ilustraciones de Kent Williams. Sin embargo eso no le bastaba. Tenía que conseguir rodarla. Y por ello la adaptó a un formato más independiente, con menos presupuesto. Y parece que no le salió tan mal.

El ojo, Vladimir Nabokov

Imagen: "Ojo" de M.C. Escher

"Kashmarin había eliminado otra imagen de X. ¿Qué importa cuál? Pues yo no existo; sólo existen los millares de espejos que me reflejan. Cada nueva amistad aumenta la población de fantasmas que se me aparecen. Viven en algún sitio, se multiplican de alguna forma. Yo solo no existo. Sin embargo, X continuará viviendo durante largo tiempo. Los dos niños, esos discípulos míos, crecerán y alguna imagen mía vivirá en ellos como un parásito tenaz. Y luego llegará el día en que morirá la última persona que me recuerda. Como un feto al revés, mi imagen también se desvanecerá y morirá dentro del último testigo del crimen que cometí por el mero hecho de vivir. Tal vez una historia casual sobre mí, una simple anécdota en la que aparezco yo, pasará de su hijo a su nieto y así mi nombre y mi espíritu aparecerán de vez en cuando durante un tiempo más. Luego llegará el fin.

Y, sin embargo, soy feliz. Sí, feliz. Lo juro, juro que soy feliz. He comprendido que la única felicidad de este mundo consiste en observar, espiar, vigilar, escudriñar a los demás y a uno mismo, no ser más que un gran ojo, ligeramente vidrioso, algo inyectado en sangre, fijo. Juro que esto es la felicidad. Qué importa que sea un poco bajo, un poco engañoso y que nadie aprecie todas las cosas notables que hay en mí: mi fantasía, mi erudición, mis dotes literarios... Soy feliz de poder mirarme a mí mismo, pues ningún hombre es absorbente, ¡sí, realmente absorbente! El mundo, por real que sea, no puede insultarme. Soy invulnerable. ¿Y qué me importa que se case con otro? Cada noche sueños con sus vestidos y cosas en una interminable bendición de telas, sumergido en un viento de incesante procesión, y su esposo nunca sabrá lo que hago con las sedas y flecos de la bruja danzarina. Este amor es la realización suprema. ¡Soy feliz, sí, feliz! ¿Qué más puedo hacer para demostrarlo, cómo proclamar que soy feliz? Oh, gritarlo para que finalmente todos me crean, gente cruel, presumida..."

Atardecer en la calle Karl Johan

Es increíble como una imagen puede evocar tanto sentimiento. Munch nos enseña en este cuadro la soledad tan profunda que siente. La soledad en compañía; cómo estando rodeado de gente puedes sentir tanto vacío dentro. Son personas vacías, con miradas inexpresivas, que simplemente andan, al frente, sin mirar a su alrededor, sin fijarse en las personas que tienen al lado. Hoy en día, el mundo que nos rodea también es así. Cada día pasa sin que nos demos cuenta de la gente que hay a nuestro alrededor, de las cosas que les pasan, de sus sentimientos. Estamos tan ocupados en nosotros mismos y en llegar a donde queremos llegar, que se nos olvida que los seres que nos rodean son personas, que a veces nos gritan desesperadamente en un intento vano de que les ayudemos.

En este cuadro, Munch, cansado de gritar, se aparta en silencio y se va, contracorriente, huyendo de esa masa vacía.

“Es tanto el peso de mi alma que ningún pensamiento puede transportarla, y no hay alas capaces de elevarla a lo inmaterial. Si se conmueve, parece acariciar el suelo con sus alas, como el vuelo bajo de los pájaros cuando presienten la tormenta. En mi pecho anida una opresión, un temor que adivina un terremoto.”
(Sören Kierkegaard)

Soy curiosa - Azul

En “Azul” la historia se desarrolla paralela a “Amarillo”. En esta ocasión, Lena se preguntará por la religión, la sexualidad y el sistema penitenciario, a la vez que se adentra en sus propias relaciones. Ambas películas fueron prohibidas en gran número de países, entre ellos España. Aquí se estrenó en el 2005. Fue rodada en 1970.

Aquí Lena vuelve a incidir sobre la sociedad de clases. ¿Cómo se puede premiar a los más inteligentes dejando de lado cuestiones tan importantes como las oportunidades que tiene cada persona de formarse?

La religión, así como las relaciones sexuales, será un tema importante en esta versión de la película. La sociedad sueca cada vez es menos creyente y, sin embargo, siguen casándose por la iglesia, bien por superstición, bien por tradición. Un gran número de creyentes está en contra de cualquier método anticonceptivo, mientras en los países subdesarrollados sigue habiendo miles de muertes por sida o bien un descontrol de la natalidad que provoca una enorme mortandad infantil, así como más pobreza y miseria.

Ambas películas cuentan la misma historia, pero con contenidos y temas distintos. Ambas películas muestran la curiosidad de la protagonista por entender la sociedad que le rodea. Los años han pasado desde entonces, muchas cosas han cambiado y han mejorado, pero los temas que tratan siguen estando en vigor. Habrá que plantearse entonces, igual que hace Lena, qué se puede hacer.

Soy curiosa - Amarillo

Soy curiosa es una película sueca, entre ficción y documental, dirigida por Vilgot Sjöman (1967). En ella, la joven Lena (Lena Nyman) se plantea preguntas sobre la sociedad en la que vive. Indaga, analiza el mundo en el que vive, en los años 70. Y para resolver sus dudas investiga, sale a la calle con micrófono en mano y pregunta a la gente sobre los diferentes temas que en ese momento se plantean:

“¿Vivimos en una sociedad de clases?”
Las respuestas llegan a ser de lo mas variadas y algunas realmente reveladoras. La mayoría opina que no (¡¡!!), otros que sí, pero “es lo que hay y no puede ser de otra manera”, “debe haber una diferencia de clases para que la sociedad pueda funcionar”, “tenemos una sociedad de ingresos”.

Otro tema que se trata es el de la dictadura que España vive en ese momento con Franco. Muchos suecos vuelven de sus vacaciones en España diciendo que “viven muy bien, si les preguntas por Franco te dirán que están contentos”. Otros prefieren no opinar, “no me importa”, “no voy a meterme en eso”. ¿Hacemos nosotros lo mismo con los países en conflicto? Sí, claro que sí, no somos tan distintos.

Durante la película también se habla de la objeción de conciencia y de la no violencia. Tras unas votaciones, se decidió democráticamente eliminar el servicio militar y trabajar bajo los principios de la no violencia formando en ella a toda la población sueca, tanto a hombres como a mujeres.

A la protagonista se la pone a prueba. ¿Hasta qué punto podemos cumplir con el principio de la no violencia? Cuando atentan con violencia, ¿somos capaces de responder con no violencia? Quizá tenemos que educarnos en ello para que funcione. (“Si uno no puede cumplir con los principios de la no violencia, no puede formar parte de ella”).

Es una película “curiosa” que plantea dudas, problemas, y pregunta soluciones, respuestas.

Fast Food Nation

Fast food nation, dirigida por Richard Linklater y con actores tan conocidos como Greg Kinnear, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Catalina Sandino, Bruce Willis, e incluso Avril Lavigne. Nos cuenta como Don Henderson, un ejecutivo de una importante cadena de restaurantes de comida rápida, tiene que enfrentarse a una situación que le pondrá entre la espada y la pared. En un análisis hecho por unos estudiantes de la universidad, han aparecido en las hamburguesas que más beneficios dan a la empresa, las Big One, restos de excrementos. ¿Cómo han llegado hasta ahí? Para averiguarlo tendrá que viajar a Colorado, donde se encuentra la fábrica de donde sale la carne.

“Primera regla del márketing: no mates a tus clientes. Sino, no podrán repetir”.

En este matadero, le enseñarán la parte más visible: unas buenas máquinas, higiene, uniformes y todo muy limpio. Pero tras entrevistarse con varias personas, descubrirá que le han ocultado el lado más oscuro: el matadero.

Los empleados son mexicanos sin papeles a los que tratan como esclavos. Especialmente sugerente es la imagen en la que, en el momento en el que se va a desmayar una de ellas, sale un primer plano de la carne cayendo de la cinta: una buena comparación de los empleados con trozos de carne. Las cintas van a tanta velocidad, que muchas veces se manchan con excrementos y no les da tiempo a limpiarlo. Y, por supuesto, la seguridad laboral es tan mala, que es bastante habitual que algún empleado se corte o, como el caso de uno de ellos, se ampute una pierna.

Por otro lado está Amber, una joven estudiante de instituto que trabaja en uno de los restaurantes de comida rápida para poder ayudar a su madre con los gastos y ahorrar para ir a la universidad. Serán su tío y un grupo de universitarios comprometidos los que le hagan ver que tiene que actuar conforme a sus principios y dejar ese empleo.

Durante su investigación, Don Henderson se dará cuenta de todas las injusticias que rodean a su empresa y será entonces cuando tenga que tomar una decisión. Pelear para que eso cambie, jugándose su puesto de trabajo, o callar y seguir adelante (“Un gran número de muertes son provocadas por accidentes de tráfico y no por ello dejamos de fabricar coches” “Todos comemos mierda alguna vez”).

Una buena película, que te muestra muy bien todo lo que rodea a la fabricación de la comida rápida. Aconsejo cenar antes de verla, porque algunas imágenes, especialmente la brutal forma de matar a las vacas, quita el apetito a cualquiera y provoca que te hagas vegetariano, al menos durante una temporada hasta que olvides tan macabra imagen.

Paris Je t'aime

Hermoso ¿verdad?

Donnie Darko

“Y si pudieras volver atrás en el tiempo ¿no cogerías todas las horas de dolor y tristeza y las cambiarías por algo mejor?”

Donnie Darko, dirigida por Richard Kelly y protagonizada por Jacke Gyllenhaal, es una película con múltiples interpretaciones.

Para empezar, se puede interpretar desde el principio que Donnie realmente es un enfermo con Psicosis Paranoide y que todo lo que sucede es producto de su cabeza desequilibrada. Pero esa es una interpretación demasiado simple. Me parece mucho más interesante ir más allá, buscarle un sentido a todo lo que sucede.

A partir de ahora es cuando voy a destripar la película. En este caso es inevitable. Así que recomiendo no leerlo hasta haberla visto.

La película parte de la idea de que nuestra vida está predestinada, ya está escrita. ¿Podemos cambiar ese destino? Solo viajando en el tiempo podríamos burlarlo y cambiarlo.

“-Para viajar hacia atrás en el tiempo haría falta algo que pueda desplazarse a más velocidad que la luz.
-Teóricamente.
-Y localizar un agujero de gusano, por supuesto.
-Eso es lo básico para viajar en el tiempo. Necesitas un vehículo y un portal. Podría ser cualquier cosa, lo más probable una nave espacial, cualquier nave de metal.”

Frank, el conejo gigante, logra viajar del futuro al pasado para advertir a Donnie de lo que va a suceder y así poder cambiarlo. Sin embargo, los destinos están escritos y todo lo que Donnie hace para intentar cambiarlo, no hará sino provocar el terrible final. “Deus ex machine”. Hagas lo que hagas, la fuerza del destino hará que suceda lo que tiene que suceder. Pero no si logras viajar en el tiempo.

Por ello, finalmente Donnie decidirá regresar al pasado para morir aplastado por el motor de avión. Ya que solo de esa manera logrará evitar la muerte de Gretchen y de Frank. Sacrificará su vida a favor de la de la chica que quiere.

A lo largo de la película se trata el tema de la destrucción como forma de destruir el mundo para volver a empezar de cero: cambiar el mundo.

“Mientras están inundando la casa y destrozándola, dicen que la destrucción es una forma de creación así que el hecho de que quemen el dinero es una ironía. Lo que quieren ver es qué pasa cuando destruyen el mundo. Quieren cambiar las
cosas.”

Bajo esta idea, Donnie animado por Frank, inunda el colegio o quema la casa de Cunningham (descubriendo así que tenía una red de pornografía infantil). Lo que quiere es cambiar las cosas. Y por eso también, finalmente, el cambio principal viene de la mano de la destrucción: cuando el motor de avión cae en su cuarto y le mata es cuando se produce el verdadero cambio del destino.

En fin, creo que es una buena película, que merece ser vista unas cuantas veces para captar todos sus elementos en detalle. Y una gran banda sonora que acompaña de forma magistral esos planos a cámara lenta.

Y para terminar voy a plantear dos preguntas:
1. ¿Realmente está enfermo Donnie Darko?

2. “Y si pudieras volver atrás en el tiempo ¿no cogerías todas las horas de dolor y tristeza y las cambiarías por algo mejor?”

Lobo Estepario

"¡Cómo no voy a ser un Lobo Estepario, un ermitaño desgreñado, si estoy hundido en este mundo cuyas metas no comparto, cuyas alegrías no me atraen. No soporto mucho tiempo en un teatro ni en un cine, apenas puedo leer un diario, pocas veces miro un libro moderno: no puedo entender cuál es la diversión y la felicidad que los hombres buscan en trenes y hoteles repletos, en cafés llenos de gente con música fuerte y sofocante, en los bares y varietés de las elegantes ciudades de lujo, en las exposiciones mundiales, en los corsos, en las conferencias para los sedientos de cultura, en los grandes campos de deporte. No puedo entender ni compartir esas alegrías que estarían al alcance de mis manos y por las que hay miles que se esfuerzan y se amontonan. Y aquello que, por el contrario, sucede durante mis escasas horas de felicidad, lo que para mí representa placer, aventura, éxtasis y enaltecimiento, es algo que el mundo a lo sumo conoce, busca y ama en la poesía, pero que en la vida le parece una locura. Y de hecho, si el mundo tiene razón, si la música en los cafés, si los entretenimientos de masas, si esas personas americanas con tan pocas pretensiones tienen razón, entonces yo estoy equivocado, estoy loco. Entonces en serio soy el Lobo Estepario, tal como me describí varias veces: el animal perdido en un mundo ajeno e incomprensible que ya no es capaz de encontrar su hogar, su aire, su alimento."

Descanso

Mi cabeza pedía a gritos un descanso. Ahora, ya han terminado las vacaciones y debe volver a funcionar. En estos días he viajado, he olvidado, he desconectado y he dejado de pensar.

Mientras tanto, se me han ido acumulando cosas pendientes. Así que después de la desconexión, toca ponerse al día. En breve comentaré todas las cosas que me están esperando.

Tres colores: Azul

En 1993 el polaco Krzysztof Kieslowski comenzó su trilogía Tres Colores, con la filmación de la primera: Azul.

Esta trilogía, con los colores de la bandera francesa, simbolizan la Libertad (Azul), la Igualdad (Blanco) y la Fraternidad (en Rojo). Se supone que la civilización occidental disfruta de esos principios y, por tanto, debería ser feliz. Sin embargo, cuando Kieslowski estuvo en Francia, descubrió en los rostros de la gente una enorme tristeza y una mirada que no entendía el sentido de esta vida. Por ello decidió hacer esta trilogía donde nos muestra unas pautas universales que debemos aprender para poder ser felices. Para ello nos muestra el interior de personajes atormentados por su difícil relación con la vida y como lo afrontan.

“Lo que intento capturar es tal vez el alma; en cualquier caso una verdad que yo mismo no he encontrado. Quizá un tiempo que vuela y que no pueda ser nunca atrapado”.

Comienza entonces con Azul, un canto a la libertad, a la libertad interior. Julie es una mujer feliz con su marido, un célebre compositor, y su hija. Sin embargo un día, en un accidente de coche, morirán ambos, quedando ella sola.

A partir de entonces, y sumida en el más profundo dolor, comenzará un viaje interior para lograr la libertad. Para ello comenzará deshaciéndose de todas las pertenencias que le puedan recordar su pasado, pondrá en venta la casa, se deshará de todos los muebles, se irá a vivir a un piso de alquiler y tirará las partituras de la última composición de su marido: la inacabada obra para la celebración de la unificación de Europa. Sólo se quedará con una lámpara de piedras azules que tenía su hija.

En ese intento de deshacerse de todo, Julie intentará no atarse a nada terrenal. Y por eso decide acostarse con Olivier, compañero de su marido, para demostrarse que es capaz de no sentir nada y no atarse a nada ni a nadie. Sin embargo, Julie no se da cuenta de que así no consigue libertad, ya que primero deberá encontrarla en su propio interior. Para ello es necesario que guarde algo (“Siempre hay que quedarse con algo”), en este caso esa lamparita que le recordará siempre el pasado que tuvo, para que no lo pierda de vista y aprenda de él; pero sin dejar de mirar al futuro. El mismo gesto de la portada nos muestra cómo camina hacia delante, su rostro va hacia delante, excepto su mirada, de profunda tristeza, que mira hacia atrás, viendo lo que queda en el pasado.

Ya hacia el final, Julie descubrirá una serie de cosas que le harán ver todo desde otra óptica y, en consecuencia, lograr comenzar de nuevo. Sólo al volver a amar, conseguirá la libertad que ansiaba.

Durante la película aparecen una serie de personajes que conforman todo el mensaje, como la vecina prostituta, que ayuda a Julie en sus debilidades, pero que a la vez necesita de ella. Mutuamente se complementan para lograr seguir adelante. O el chico que presencia el accidente de coche. En el momento en el que se produce el accidente, él está jugando a meter una bola en un palo. Justo en el momento en el que lo consigue, es cuando el coche se estrella, como una especie de juego macabro en el que todo está provocado por el acierto del chico. Para calmar su conciencia, no descansará hasta encontrar a Julie y darle una cadenita que se encontró en el lugar del accidente. También está la madre de Julie, que padece la enfermedad de Alzheimer; a su manera, ella también se ha evadido de todo dejando de estar atada a nada terrenal, ni siquiera a los recuerdos. Olivier, por su parte, tiene la fuerza para sacar a Julie del infierno en el que está sumida. Asume continuar con la composición, en un principio para atraer a Julie y hacerla reaccionar, gritar o correr. Pero finalmente, él también necesitará encontrar su libertad y por ello renunciará a la colaboración de Julie para terminar las partituras. El mendigo que toca la flauta es el perfecto ejemplo de liberación. Hace lo que le gusta, renunciando a tener obligaciones. Pero en realidad goza de una posición económica adinerada, como se ve cuando le lleva en el coche su esposa. Es él el que le dirá a Julie que “siempre hay que quedarse con algo”.

A lo largo de la película, Kieslowski nos dejará ver su mensaje a través de símbolos. Cada pequeño elemento tiene un enorme significado dentro del mensaje global de la película. Por ejemplo, ya desde el principio, cuando el coche se adentra en el túnel, nos está explicando que la vida es un camino donde a veces pasamos por momentos oscuros, pero si seguimos adelante acaba apareciendo otra vez la luz. Es un trayecto de momentos buenos y momentos malos, y de todos ellos debemos aprender.

En otra escena, Julie está sentada en el banco de un parque con los ojos cerrados mientras el sol le golpea en la cara. Al mismo tiempo vemos cómo una anciana intenta llegar a un contenedor para tirar una botella, pero le cuesta mucho esfuerzo y no consigue meterla del todo (personaje que se repetirá en Blanco y en Rojo). Con esto, Kieslowski nos muestra cómo el sol, que le produce placer a Julie y da unos instantes de calma, a la vez le ciega y no le deja ver lo que pasa a su alrededor.

En definitiva, es una película para ver innumerables veces, ya que en cada una de ellas se descubrirán nuevos elementos con nuevos significados. Es una auténtica obra de arte donde cada escena, cada imagen, cuida a la perfección los colores, las posiciones y los pequeños detalles para darle un sentido común. A través de las imágenes hace que nos adentremos en el mundo interior de las persona.

Todo ello con una magnífica Juliette Binoche que enamora a cualquiera. Ese papel no podría haber sido para otra persona. Y una banda sonora que no nos deja indiferentes.

Luis Eduardo Aute - De alguna manera